Génesis Suero y Reading Pantaleón: el talento dominicano que conquista la Met Gala
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Como cada año, cuando la moda convoca su cita más esperada, nos unimos a la comunicadora Génesis Suero y al estilista Reading Pantaleón, junto a un equipo íntegramente dominicano que, año tras año, eleva nuestra bandera en la Met Gala 2026, para llevarte cada detalle de una propuesta concebida y desarrollada por talento local. Desde la icónica escalinata del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, la noche más importante de la industria se reafirma como un manifiesto global donde el vestir deja de ser tendencia para convertirse en lenguaje.
Bajo el tema “Costume as Art”, Génesis se perfila como una de las figuras a observar, con una propuesta que trasciende lo visual para convertirse en una construcción estética cargada de intención. La dirección creativa de Reading Pantaleón, junto al diseño del emergente José Martínez, y la precisión de Michelle Flaz en maquillaje y Gyro en peinado, dan forma a una obra donde cada detalle responde a un mismo discurso.
En esta entrega, conversamos con este equipo dominicano y con la propia Génesis para desentrañar el proceso detrás de un look que confirma que la moda, cuando se piensa y se siente, se convierte en identidad, narrativa y permanencia. Desde la investigación conceptual hasta la selección de materiales, las horas de confección y los ajustes finales, cada etapa revela una intención clara: construir una pieza que dialogue con el tema y trascienda el momento.
Profundizamos en la visión de Reading Pantaleón, la apuesta creativa del diseñador José Martínez y el trabajo preciso de Michelle Flaz y Gyro, entendiendo cómo cada disciplina se entrelaza para dar coherencia a la propuesta. Más que un resultado final, esta conversación expone el rigor, la sensibilidad y el oficio detrás de una aparición que no solo busca destacar, sino dejar huella en el relato contemporáneo de la Met Gala 2026.
P: Este año la Met Gala plantea una conversación interesante: ¿la moda es arte? ¿Cómo interpretas tú esta idea desde tu identidad como comunicadora y figura pública?
Génesis: Creo que la moda siempre ha sido arte, pero hoy se reconoce más como tal. Desde mi rol como comunicadora, la veo como un lenguaje visual poderoso que transmite identidad, cultura y postura. Cada look cuenta una historia, y en un escenario como la Met Gala, esa narrativa se eleva.
Cuando te enteraste del tema “Costume Art”, ¿cuál fue el primer pensamiento que te vino a la mente? ¿Lo viste como una oportunidad creativa o como un reto conceptual?
Génesis: Mi primer pensamiento fue: “esto es libertad, pero también responsabilidad”. Es un tema que abre muchas puertas creativas, pero también te exige tener claridad conceptual. Lo vi como ambas cosas: una oportunidad y un reto.
El dress code “Fashion Is Art” es bastante abierto y hasta filosófico. ¿Desde qué lugar decidiste abordarlo: más emocional, más estético o más narrativo?
Lo abordé desde un lugar narrativo con una base emocional. Quería que el look no solo se viera bien, sino que dijera algo, que conectara y que tuviera intención.
La exposición de este año gira en torno al cuerpo como lienzo y la relación entre moda y arte a lo largo de la historia. ¿De qué manera tu look dialoga con esa idea del cuerpo como obra?
Mi look entiende el cuerpo como un lienzo vivo. No es solo una prenda, es una extensión de quién soy. La silueta, los materiales y los detalles están pensados para dialogar con esa idea de transformación y expresión artística.
Sabemos que nuevamente apuestas por diseño local, algo que ya se ha convertido en parte de tu sello. ¿Qué significa para ti llevar moda dominicana a un escenario como la Met Gala?
Llevar diseño dominicano a la Met Gala es un orgullo y también una misión. Es demostrar que en nuestra isla hay talento, visión y nivel para estar en cualquier escenario global.
Este año repites con el diseñador José Martínez. ¿Qué tiene su visión que conecta contigo y te hace volver a confiar en él para un momento tan importante?
José tiene una sensibilidad muy especial. Entiende la estructura, pero también la emoción detrás de una pieza. Conecta con mi esencia y logra traducirla en algo tangible.
¿Cómo fue el proceso creativo entre ambos? ¿Partieron de una obra de arte, de una idea conceptual o de algo más personal?
El proceso fue muy orgánico. Partimos de una idea conceptual, pero rápidamente se volvió algo personal. Hubo mucha conversación, referencias y también intuición.
Sabes que año tras año has confiado en el estilista de imagen Reading Pantaleón para dar forma a tus apariciones en la Met Gala. ¿Cómo describirías ese diálogo creativo entre ustedes y de qué manera ha evolucionado hasta llegar a este 2026?
Con Reading hay una complicidad que se ha construido con los años. Ya hay un lenguaje compartido. Este 2026 se siente más refinado, más seguro, más alineado con quién soy hoy.
¿Qué historia quieres que cuente tu look cuando alguien lo vea por primera vez?
Quiero que cuente una historia de identidad, de evolución y de orgullo. Que quien lo vea sienta que hay intención detrás de cada detalle.
Desde tu perspectiva, ¿qué diferencia a un look “bonito” de un look verdaderamente Met Gala?
Un look bonito es estético. Un look de Met Gala tiene concepto, riesgo y narrativa. Es algo que te hace detenerte y pensar.
Como mujer caribeña en este escenario global, ¿qué responsabilidad sientes al momento de construir tu imagen para una noche como esta?
Siento una gran responsabilidad. Represento no solo mi historia, sino también una cultura rica, vibrante y poderosa. Es importante hacerlo con respeto, autenticidad y altura.
Si tu look fuera una obra de arte, ¿qué título le pondrías?
Le pondría: “Raíces que trascienden”.
Y finalmente, ¿qué te gustaría que el público dominicano sienta cuando te vea en esa alfombra?
Me gustaría que sientan orgullo. Que se vean reflejados, que entiendan que sí se puede, y que nuestra cultura tiene un lugar en cualquier alfombra del mundo.
Reading Pantaleón – Fashion Creative director
P: Este año el tema propone la moda como una forma de arte. Desde tu rol como estilista, ¿cómo se traduce esa idea en una narrativa visual coherente y no solo en un look impactante?
Reading: Cuando pienso en la moda como arte, pienso en la permanencia, no solo en impacto inmediato. Quisiera que no solo puedan ver este look, también que puedan sentirlo.
La inspiración en Afrodita nos permitió construir una narrativa donde el cuerpo se convierte en escultura viva. Cada línea, cada pliegue, cada volumen está pensado para evocar la delicadeza y la fuerza del mármol, pero con la emoción de lo humano. Mi rol fue dirigir esa traducción: llevar una referencia clásica a un lenguaje contemporáneo sin perder su alma.
Trabajas nuevamente con Génesis en un escenario de alto nivel como la Met Gala. ¿Cómo defines la identidad estética que han construido juntos con el tiempo?
Nuestra identidad ha sido un ejercicio de evolución consciente. Con Génesis tengo una conexión muy clara: entendemos que su presencia no necesita exceso, necesita intención.
Hemos construido una estética que honra su elegancia natural, pero siempre con un giro conceptual. Hay una feminidad que no es frágil, es contenida, pero profundamente poderosa.
En un dress code tan abierto como “Fashion Is Art”, ¿cómo evitas caer en lo literal y apuestas por una propuesta con profundidad conceptual?
La clave está en no disfrazarse de arte, sino convertirse en él. Evitamos irnos a lo literal alejándonos de referencias obvias y enfocándonos en la esencia.
Afrodita no se traduce aquí como símbolo decorativo, sino como energía: la belleza, la armonía, la sensualidad contenida en una silueta escultural. Es una interpretación que se siente más de lo que se explica.
¿Cuál fue el punto de partida para construir este look: el vestido, la historia o la mujer que lo lleva?
Siempre la mujer. Génesis es el inicio y el destino. La historia nace de cómo ella se mueve, de lo que proyecta. A partir de ahí, la referencia de Afrodita se volvió casi inevitable: había algo en su presencia que pedía esa conexión.
El vestido entonces se convierte en una extensión de ella, no en un elemento impuesto.
Sabemos que hay una apuesta por diseño local. Como estilista, ¿cómo logras equilibrar esa intención con un estándar global como el de la Met Gala?
Para mí no existe una diferencia entre lo local y lo global cuando hay excelencia. Apostar por diseño local es una declaración, pero también una responsabilidad.
Este look fue trabajado con un nivel de precisión casi arquitectónico, entendiendo que cada detalle debía sostenerse al más alto estándar. La narrativa lo eleva, pero la ejecución lo valida.
Si tuvieras que definir este look como una obra de arte, ¿desde qué corriente o lenguaje artístico lo ubicarías y por qué?
Lo ubicaría dentro de un lenguaje escultórico clásico reinterpretado desde la contemporaneidad. Hay una clara influencia de la escultura grecorromana, pero con una lectura moderna en la construcción del corset y la forma en que el tejido fluye.
Es esa dualidad entre rigidez y movimiento lo que lo convierte en una pieza viva.
¿Qué ha significado para ti ser la mente creativa detrás de estilismos concebidos al detalle, cumpliendo rigurosamente cada dress code de la Met Gala, y hacerlo además como los únicos representantes dominicanos en ese escenario?
Es profundamente emocional. Más allá del rigor creativo, hay un sentido de propósito. Representar a República Dominicana en un escenario como este no es solo un logro profesional, es una responsabilidad cultural. Cada decisión lleva consigo una intención mayor: demostrar que nuestra visión, nuestra sensibilidad y nuestro talento tienen un lugar legítimo en la conversación global. Y hacerlo desde la autenticidad lo hace aún más significativo.
Diseñador Jose Martínez
P: Ser seleccionado una vez ya es un logro, pero repetir habla de confianza. ¿Cómo recibiste la noticia de que volverías a diseñar para ella este año?
José: Más allá de los logros, la base de este proyecto ha sido la determinación. Reading es reconocido por tener los más altos estándares de excelencia en la industria y nosotros nos entendemos muy bien a la hora de conceptualizar e innovar. Ambos con un grandísimo respeto y compromiso con la excelencia.
Cuando se habla de confianza, tanto él como yo tenemos una visión muy clara de la categoría en la que queremos posicionar nuestro trabajo, lo que facilita enormemente la comunicación. Para mí es muy fácil confiar cuando sé que cada integrante del equipo está trabajando para crear una obra que no es solo una pieza de ropa, sino una pieza teatral.
Cuando Reading me confirmó que este año haríamos el Met juntos de nuevo, fue un momento de muchísima emoción, pero también de mucho respeto por el reto. A diferencia del año pasado, donde la propuesta surgió de manera orgánica desde el inicio, este año yo mismo me propuse convencer a Reading de que me confiara el proyecto.
Un sketch y una visión no eran suficientes, así que desarrollé una muestra física para enseñarle la técnica. Es un proceso innovador que rescata técnicas de corsetería del siglo 18, el cual llevo preparando desde enero para que pudiera ver la idea en su totalidad.
Este año el tema propone la moda como arte. ¿Cuál fue la primera imagen o referencia que te vino a la mente al comenzar a conceptualizar el look de Génesis?
Claramente el proceso creativo empieza desde Génesis, con una búsqueda de un vestido que represente la gracia, elegancia y carisma que la definen. Desde que se anunció la temática de la exhibición, “El cuerpo humano en el arte”, supe que tenía que volver a mis años de dibujo anatómico, una de mis grandes pasiones. Cuando se estudia anatomía, uno de los mayores referentes es Leonardo da Vinci, y ahí comenzó todo.
La idea del traje de Génesis nace desde la musculatura. Más adelante, cuando se revela la temática de la gala, “Fashion as Art”, que aunque las temáticas están relacionadas no es exactamente la misma, surge una evolución conceptual. Es entonces cuando imagino una escultura clásica en proceso de ser tallada. No se sabe si ella es una mujer convirtiéndose en piedra o una piedra convirtiéndose en mujer.
Háblanos de la inspiración detrás de la pieza: ¿parte de una obra, una corriente artística o de una narrativa más personal construida para ella?
Una vez clara la idea, lo único que faltaba era encontrar la musa. Eso fue tan sencillo como ir un sábado al Metropolitan Museum of Art a estudiar el área de esculturas helenísticas.
Después de varias horas y múltiples bocetos, me debatía entre dos esculturas, ambas con propuestas de cadera distintas, una más redonda y otra más cuadrada. La decisión final fue inspirarme en Afrodita del período helenístico, descrita por académicos como “The goddess of love stands in an exaggerated hipshot pose”. En ese momento supe que había encontrado la dirección correcta.
A nivel de diseño, ¿cuáles son los elementos clave del look, silueta, volúmenes, texturas, que sostienen el concepto?
La pregunta central era cómo lograr que un vestido parezca estar siendo tallado en mármol. Para eso, identifiqué cuatro elementos clave: la parte rocosa, la parte tallada, los drapeados y los trazos del cincel, además de una base textil que evocara el mármol de Paros.
Todo esto se tradujo en decisiones concretas, como una cadera estructurada y angular en contraste con otra más orgánica y redondeada, corsetería construida en canales individuales y una combinación de jacquard con muselina en denim que aporta profundidad visual y textura.
Entremos en detalle: ¿qué materiales y técnicas de confección se utilizaron y qué hace especial esta pieza dentro de tu trayectoria?
Este vestido tiene una complejidad inigualable. Definitivamente es la pieza de alta costura más elaborada que he realizado hasta la fecha.
El corset no solo estructura, sino que impone una presencia rotunda desde la primera mirada, con una textura lineal que nace de un proceso técnico minucioso en el que múltiples capas de tela se cosen estratégicamente para generar canales internos que alojan cada varilla con absoluta precisión. Ninguna está colocada al azar, todas fueron medidas específicamente para su panel e insertadas de manera individual, dando como resultado una silueta exagerada, firme y autosuficiente que redefine el cuerpo desde la construcción.
La falda, en contraste, se desarrolla como un gesto mucho más intuitivo y fluido, fiel al ADN de JMP y a su enfoque zero-waste, donde no existen cortes visibles ni divisiones entre paneles y todo se resuelve desde la manipulación directa del textil. Drapearla durante el penúltimo fitting permitió que la pieza tomara forma sobre el cuerpo mismo, y al estar completamente cosida a mano, cada puntada aporta a una caída orgánica y casi escultórica, donde la técnica se transforma en movimiento.
Sabemos que una pieza de Met Gala implica un trabajo minucioso. ¿Cuántas horas de trabajo hay detrás de este look y cómo fue el proceso desde el primer boceto hasta la pieza final?
A diferencia del año pasado, donde el look se realizó en una semana, este año fue un proceso de tiempo, paciencia y apertura a nuevas ideas. En total, invertí aproximadamente 252 horas de trabajo entre bocetos, patronaje, desarrollo de muestras y sourcing de materiales.
Yo realizo prácticamente todo el proceso de manera personal. La única parte que no ejecuté directamente fue la confección final del corset, para la cual conté con un equipo de costura de mujeres latinas liderado por Sandra Bernardita, cuyo nivel de calidad es excepcional.
Finalmente, si tuvieras que describir este diseño como una obra de arte, ¿qué historia cuenta y qué te gustaría que el mundo entienda cuando vea a Génesis en la alfombra?
Este vestido es un homenaje a todos los artistas. Más que una prenda, es una obra que encapsula el proceso creativo completo. Unifica distintas disciplinas y celebra la conciencia de creatividad infinita que compartimos quienes nos consideramos creadores.
Recuerdo comentarle a mis padres que este vestido implicó canalizar todas las energías de mi vida durante un periodo específico en un solo punto, mi obra de arte. Esa concentración absoluta es lo que siempre ha impulsado mi trabajo y estoy seguro de que es una experiencia compartida por muchos artistas.
Lo que me gustaría que el mundo entienda al ver a Génesis en la alfombra es precisamente eso. Que detrás de la estética hay intención, proceso, disciplina y una profunda conexión con el acto de crear.
